Musicking post-numérique : comment un tournant multimodal redéfinit la musique contemporaine
La révolution numérique a depuis longtemps instauré une nouvelle normalité. Pourtant, son influence sur la musique savante contemporaine ne devient visible que progressivement. Le projet Musicking post-numérique analyse la manière dont la numérisation, la critique des technologies et de nouvelles pratiques multimodales transforment la création musicale contemporaine et ouvrent de nouveaux espaces de conception artistique.
Que signifie « post-numérique » – et pourquoi est-ce important ?
Le terme post-numériquedésigne un monde dans lequel les dispositifs et les médias numériques ne sont plus perçus comme exceptionnels. Ils sont omniprésents : dans nos poches, nos logements, l’espace public – profondément intégrés, évidents, quotidiens. En arrière-plan de cette normalité agissent des infrastructures numériques invisibles mais d’autant plus puissantes. Elles façonnent une culture de la communication qui articule en permanence différents systèmes de signification : langage, son, image, mouvement, geste, espace et objets. Ces dynamiques exercent inévitablement une influence profonde sur l’art contemporain. Elles modèlent, déplacent et structurent les pratiques artistiques, souvent en dehors de toute conscience explicite.
Pour la musique contemporaine, cela signifie que les compositeur·rice·s et interprète·s ne se concentrent plus uniquement sur le son. Leur démarche créative s’oriente de plus en plus vers les relations — en particulier celles que les dispositifs numériques et les interfaces produisent et matérialisent au quotidien. La production, la réception et la diffusion de la musique sont ainsi de plus en plus marquées par l’interaction de différents modes de communication, par des processus collaboratifs, des boucles de rétroaction et de nouvelles communautés de pratique.
Dans ce contexte, le compositeur et artiste des médias Wolfgang Heiniger parle du caractère multimodal de la musique contemporaine. Toutefois, le fonctionnement précis de ces constellations multimodales et les phénomènes esthétiques qui en émergent restent encore peu étudiés. C’est précisément à ce point que s’attache le projet. (Des textes passionnants de Wolfgang Heiniger ainsi que des documentations de ses travaux se trouvent ici : http://wolfgangheiniger.de/doku.php?id=works)
Les axes de recherche du projet
Le travail de recherche s’articule autour de trois questions centrales : Comment la révolution numérique transforme-t-elle la musique contemporaine dans une perspective post-numérique ? Comment les artistes d’aujourd’hui articulent-ils innovation numérique et critique technologique ? Quels nouveaux espaces d’action s’ouvrent ainsi pour les compositeurs, les interprètes et le public ?
Pour y répondre, l’équipe ne se limite pas à une approche théorique et analytique de l’histoire musicale récente (depuis 2000). Elle explore également, par une démarche de recherche artistique, de nouvelles possibilités de création musicale sous des prémisses post-numériques. La musique contemporaine est ainsi étudiée comme une pratique sociale, matérielle et médiatique, produite par l’interaction entre personnes, objets, espaces et technologies.
Quatre études de cas – quatre perspectives sur la musique contemporaine
Le projet se consacre aux évolutions de la musique contemporaine depuis l’an 2000 à travers quatre études de cas :
- Théâtre musical et configurations homme-machine
Nous examinons comment les formats de théâtre musical européens depuis 2000 sont façonnés par les interactions entre humains et machines. - Matérialités et espaces hybrides
Nous analysons comment les matérialités numériques et analogiques s’entrelacent et donnent naissance à de nouveaux espaces hybrides entre dispositifs, corps et codes. - Mobilité post-numérique et post-migratoire
Nous étudions comment les musicien·ne·s, dans des contextes globaux, développent de nouvelles formes de mobilité cosmopolite et d’identité artistique. - Configurations post-numérique du sujet
Nous examinons les formes modifiées d’« agency » dans une culture de plus en plus façonnée par la logique algorithmique, et nous mettons en lumière les nouvelles répartitions de l’auteur·rice, du pouvoir d’action et de la perception qui en découlent.
Le Multimodallab : un espace expérimental pour de nouvelles pratiques musicales
En parallèle des études de cas, l’équipe mène un Multimodallab, un dispositif expérimental de recherche artistique. Ces laboratoires permettent de reconstituer et de modifier de manière ciblée des pratiques artistiques observées. Ils visent à mieux comprendre les logiques d’action de la musique contemporaine.
La musique y devient perceptible et transformable comme un processus issu de constellations complexes d’actants humains et non humains — conformément à la théorie de l’acteur-réseau de Bruno Latour. (Texte introductif original de Bruno Latour: ‘Reassembling the Social – An Introduction to Actor-Network-Theory’, une introduction concise aux idées fondamentales de la théorie de l’acteur-réseau (ANT), disponible en PDF: https://www.uni-weimar.de/kunst-und-gestaltung/wiki/images/Latour-introduction-to-ant-theory.pdf)
Pourquoi ce projet est important – pour la recherche et la pratique
Le projet s’inscrit dans la réflexion de Dirk Baecker sur la « société suivante » : une société dans laquelle la technologie n’est plus un simple outil, mais une condition fondamentale de l’action sociale. Dans ce contexte, le sujet autonome perd de sa pertinence au profit d’une conception relationnelle de l’agentivité, fondée sur l’interdépendance et l’implication mutuelle.
Musicking post-numérique offre ainsi non seulement une perspective analytique sur la musique contemporaine, mais montre comment celle-ci devient elle-même un laboratoire.
Pour les artistes, le projet ouvre de nouvelles possibilités de travail avec les espaces, les médias et les corps. Pour la recherche, il crée des passerelles entre histoire de la musique, ethnographie et recherche artistique. Pour les institutions, il fournit des impulsions quant à l’évolution possible de la pédagogie musicale, de la médiation et de la recherche dans un monde post-numérique.
Plus d’informations sur le projet: https://www.hkb.bfh.ch/de/forschung/forschungsprojekte/2024-228-304-518/
Prof. Dr Leo Dick enseigne la composition à la Haute école des arts de Berne (HKB) et coordonne, au sein de l’Institut d’interprétation, le champ de recherche intitulé « Interfaces de la musique contemporaine ». En tant que compositeur indépendant, il travaille principalement dans le domaine du théâtre musical.
Katelyn King est praticienne de la musique et chercheuse artistique dans les domaines du théâtre, de la musique contemporaine et expérimentale. Son travail porte sur des formes postnumériques de théâtre musical expérientiel et analyse l’interaction entre électronique et percussion. Elle prépare actuellement un doctorat en Artistic Research à l’Université de musique et des arts du spectacle de Vienne.
Dr Tassilo Tesche est scénographe, chercheur en études théâtrales et chercheur artistique. Il partage son activité entre Berne et Munich. À la HKB, il enseigne régulièrement la scénographie depuis 2010 au sein du département Musique (BA Sound Arts et MA Music Composition) et a participé à plusieurs projets de recherche.
Johannes Werner a étudié les percussions et la musique nouvelle à Stuttgart et à Berne. Il développe une pratique multimédia aux interfaces entre musique contemporaine, performance et théâtre musical. Le corps, la parole et le texte constituent autant de matériaux de son travail que la programmation audio et vidéo ou la conception lumière. Ses recherches artistiques s’intéressent en particulier aux formes contemporaines de sociétés postnumériques.
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